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P1 列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇 （意大利文原名： di ser da ，1452年4月15日—1519年5月2日，享年67岁），意大利学者、艺术家。
欧洲文艺复兴时期的天才科学家、发明家、画家。现代学者称他为“文艺复兴时期最完美的代表”，是人类历史上绝无仅有的全才，他最大的成就是绘画，他的杰作《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》，《岩间圣母》等作品，体现了他精湛的艺术造诣。他认为自然中最美的研究对象是人体，人体是大自然的奇妙之作品，画家应以人为绘画对象的核心。
他是一位思想深邃，学识渊博、多才多艺的画家、天文学家、发明家、建筑工程师。他还擅长雕刻、音乐、发明、建筑，通晓数学、生理、物理、天文、地质等学科，既多才多艺，又勤奋多产，保存下来的手稿大约有6000页。他全部的科研成果尽数保存在他的手稿中，爱因斯坦认为，达·芬奇的科研成果如果在当时就发表的话，科技可以提前30-50年。
达·芬奇少年时已显露艺术天赋，15岁左右到佛罗伦萨拜师学艺，成长为具有科学素养的画家、雕刻家。并成为军事工程师和建筑师1482年应聘到米兰后，在贵族宫廷中进行创作和研究活动，1513年起漂泊于罗马和佛罗伦萨等地。1516年侨居法国，1519年5月2日病逝。小行星3000被命名为“列奥纳多”。最著名的作品是《蒙娜丽莎》现在是巴黎的卢浮宫的三件镇馆之宝之一。
达·芬奇的老师韦罗基奥受圣萨尔宾诺教堂的委托绘制《基督受洗》，全画的人物虽已画完，但是还剩下背景没有画，教堂一再催促，限定韦罗基奥必须在复活节前交画。这时离复活节仅七天了，可是韦罗基奥又不愿敷衍了事，他决定带着达·芬奇去希莫尼湖写生，然后再画背景。
不料途中遇暴雨，韦罗基奥受寒感冒，高烧不止。
由于任务紧迫，韦罗基奥只好命达·芬奇来画背景。达·芬奇赶回佛罗伦萨，反复琢磨体会老师的创作意图，模仿老师的画风，经过一天的辛勤劳动，终于完成了全画。第二天早晨，当达·芬奇揭开画布时，他惊呆了。
原来，老师以达·芬奇作模特儿画的天使形象竟被嫉妒成性的师兄们刮掉了。他感到事态非常严重，时间又紧迫，他下定决心不辜负老师的委托，为了维护老师的荣誉，自己动手来补画这个天使。他找出老师原稿，以自己为模特儿，对着镜子，重画天使。韦罗基奥康复归来，看到画作时，激动万分，他伸出双手紧紧抱住达·芬奇的肩膀兴奋地说：“它是如此的完美，看来我以后只能去拿雕刻刀了。”从此达·芬奇声名鹊起，成为佛罗伦萨有名的画家了。
P2 《施洗者圣约翰》》达·芬奇的名画之一。画作取材于圣经中的人物：布道者约翰奉上帝之命，将为耶稣施以洗礼，当他舀起约旦河的圣水为耶稣洗礼时，天空突然豁然开朗，有一鸽子形状的圣灵显现在被启开的天空中。从此约翰紧随耶稣布道，得名“施洗者圣约翰”。画面上，漆黑的背景上，施洗约翰上身裸露着，而整个身子没入黑暗里，只有从右肩到胳臂、脸部、右手以及隐约可见的左手，暴露在照明之中。施洗约翰头发很长，宛如一个青年牧羊人，他一手拿着十字架，一手指向天空，脸上露出狡黠而神秘的微笑。这幅画虽属传统题材，人物和背景的描绘却前所未见。事实上，施洗约翰在茫茫黑暗之中指着天国，揭示了画家此时内心的苦闷与彷徨。
达·芬奇去世前不久完成的画作《施洗者圣约翰》美丽且妖冶。有人认为画中那男女莫辨的圣约翰原型可能是达芬奇的助手兼男仆沙莱。这幅《施洗者圣约翰》和《蒙娜丽莎》一同被达芬奇带往法兰西国王安排的城堡，一直留在达芬奇的身边，直至死去。画中的圣约翰的脸庞线条都显得异常柔和，甚至说妩媚也不为过，简直男女莫辨。有人说，这是以画家钟爱的男模特为原型的，也就是同性密友。
画面上，圣约翰上身裸露，几乎整个身子没入黑暗中。他一手拿着十字架，一手指向天空，脸上露出狡黠而神秘的微笑
P3 《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达·芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。
达·芬奇在人文主义思想影响下，着力表现人的感情。在构图上，达·芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更加端庄、稳重。另外，蒙娜丽莎的一双手，柔嫩、精确、丰满，展示了她的温柔，及身份和阶级地位，显示出达·芬奇的精湛画技和他观察自然的敏锐。另外蒙娜丽莎的眉毛因化学反应而不见了，背景曾有蓝天。据考证，蒙娜丽莎的微笑中含有83%的高兴，9%的厌恶，6%的恐惧，2%的愤怒。
眼睛藏有神秘字符
蒙娜丽莎双眼里潜藏神秘字符
意大利国家文化遗产理事会主席西尔瓦诺·温切蒂借助显微镜观察油画中蒙娜丽莎的眼睛，发现微小字符。肉眼看不出来。她绿褐色的右眼球上画有黑色的LV字样，很明显这是列奥纳多·达芬奇的姓名首字母。左眼球上的字符尚未辨明，但看起来是字母CE，也可能是B或者S。除眼睛外，画作其他位置也藏有字符，在背景中桥拱上可以看到数字72，也可能是字母L和数字2。达芬奇不仅是文艺复兴时期意大利杰出画家，还在科学和哲学领域表现出过人能力，热衷于用符号和密码来传递信息。
蒙娜丽莎以迷人微笑闻名，从她的眼睛着手研究实不多见。谈及研究眼睛的原因，温切蒂表示自己是受到一本书的启发。他说，自己的同事路易吉·博尔贾在一古董店淘到一本发霉的旧书，书的作者是一名20世纪60年代的法国历史学家。书中详细描述了蒙娜丽莎眼中暗藏的“各种记号和字符”。
眉毛睫毛 意大利著名画家列奥纳多·达·芬奇创作的《蒙娜丽莎》以其神秘闻名于世。这幅画不仅成为法国卢浮宫“镇馆三宝”之一，蒙娜丽莎神秘的微笑还引发后人猜测和研究。人们好奇她微笑的含义、她的身世、她和达·芬奇的关系、与她有关一切细节。
许多人纳闷：为什么画作上的蒙娜丽莎没有眉毛和睫毛？美国有线电视新闻网18日报道，一名法国工程师不久前解开了这个谜。
找到眉毛
法国工程师帕斯卡尔·科特17日说，他利用自己设计的高清晰数码相机为《蒙娜丽莎》拍照后得出结论：达·芬奇画上的蒙娜丽莎应该有眉毛和睫毛。
科特利用这一相机为《蒙娜丽莎》拍摄了一幅超高清晰度照片。相机利用包括紫外线和红外线在内的各种技术手段，拍出了一张2.4亿像素的照片。照片每英寸像素达到15万，也就是说，照片上蒙娜丽莎的面部大小是画作上的24倍。
科特惊喜地发现，在蒙娜丽莎消失的左眉位置上有一根眉毛的油墨迹。 胳膊姿势的奥妙
“有一天我说，如果我找到一根人们如今所看到的《蒙娜丽莎》上，毯子已被画家模糊处理掉，但在用高清晰度相机所拍摄的照片上，毯子清晰可见。也有人认为，她是站在楼梯上，达芬奇正好在楼上，他叫她停一下，画画，就好像人们突然叫住别人要拍照一样，每个爱美的人都会摆出造型来。”
“这是我们第一次发现蒙娜丽莎胳膊姿势的奥妙，”科特说，“在达·芬奇之后，数以千计的画家都临摹过蒙娜丽莎的姿势，但却没人知道为什么她做出这种姿势。真正的原因是，她的手腕之所以那样是为了用毯子遮住她的肚子。对我来说，这真的是一个伟大的发现。”
真实的颜色
科特对《蒙娜丽莎》研究的最重要发现是，他找到了《蒙娜丽莎》在创作之初画面原本的色彩。蒙娜丽莎本人的肤色应该是暖粉色，她身后的天空应该是生动的蓝色，而不是如今人们所看到的灰绿色。科特认为，画面如今展现出的深绿色背景是500年岁月中，油墨颜色沉淀的结果。
比例的微妙变化
科特还从他所拍摄的照片上发现，如今，蒙娜丽莎的笑容比达·芬奇当初所画的笑容角度略小，她脸的面积也稍稍“缩水”。
蒙娜丽莎的微笑解密
香港《文汇报》2010年8月23日报道，达芬奇传世画作《蒙娜丽莎》的微笑如何产生似有若无效果，一直是个谜。有科学家透过X光分析，首次破解这谜团，原来达芬奇使出招牌绝技“晕涂法”（），整幅画融合了共40层超薄油彩，而且达芬奇可能先把油彩涂在手指，再抹在画上。
厚度仅为头发的1/50
科学家透过高能X光，详细分析蒙娜丽莎脸上不同层次的颜料排列及成份。科学家发现，画作共享了40层极纤薄的油彩，每层厚度仅2微米（头发厚度的1/50）。油彩由些微不同的颜料组成，营造出蒙娜丽莎嘴角模糊和阴影效果，令人隐约感到她在微笑，但仔细看时笑容就消失无踪。 由于画作上没画笔的痕迹，科学家估计达芬奇是把油彩涂于手指上绘画。带领研究小组的沃尔特表示，纤薄油彩是画作引人入胜的关键。能使用如此纤薄的油彩，证明达芬奇功力极深厚。同时，由于每层颜料都要数月才能风干，估计这种特殊效果可能花了数年时间才能完成。
P4 在消失了近400年之后，文艺复兴时期艺术大师莱昂纳多·达·芬奇一幅名作将于2011年11月在英国国家美术馆第一次与公众见面。这幅名为《世界的救世主》的画作高约66厘米、宽约47厘米。油画主要表现耶稣为世人祈福的虔诚形象，他右手做出祝福的手势，左手则捧着一个酷似水晶球状的物体，平静地凝视着世人。据悉，上一次发现达·芬奇如此重要的作品还要追溯到一个世纪之前，因此，不少专家将《世界的救世主》的发现誉为近百年来艺术界最重要的发现之一。
这件油画作品是达芬奇的传世油画作品之一。作品描绘的是罗马神话中的酒神巴卡斯（希腊神话中的狄俄尼索斯），在作品中卡巴斯坐在一块石头上面，右手指向画外，仿佛要告诉观赏者什么。
他身体强健，展现出强健之美，色彩的运用细腻柔和。虽然历经岁月的洗礼，却依然光彩照人。让我们不得不佩服大师用色的高超。
P5 在这里，画家让圣母马利亚坐在她母亲的膝上，外祖母圣安妮虽然也很年轻，但仍感到圣母的身躯太大些，她难以承受如此重量。可是圣安妮脸上展现的笑容，是对着眼前那个顽皮的小外孙--耶稣(耶稣正从母亲的手中挣脱下来，想要骑在羔羊身上)而发出的，马利亚倒象坐在安乐椅上那样，毫不介意地伸手要去抱耶稣。这种情绪传递是不很协调的，人物尽管处理得紧凑，却并不显得自然生动。 壁画《安吉里之战》是达·芬奇最大最重要的作品，文艺复兴时期的巨作，取材于15世纪佛罗伦萨和米兰之间的战争，是达·芬奇少有的关于军事题材的美术作品。《安吉里之战》描绘了战争的心脏部分，展示了人与战马的躯体痛苦、恐怖的纠缠，透露出达·芬奇对人性暴力的看法。
P6 《最后的晚餐》宽420厘米，长910厘米[2] 。达·芬奇不仅在绘画技艺上力求创新，在画面的布局上也别具新意。一直以来，画面布局都是耶稣弟子们坐成一排，耶稣独坐一端。达·芬奇却让十二门徒分坐于耶稣两边，耶稣孤寂地坐在中间，他的脸被身后明亮的窗户映照，显得庄严肃穆。背景强烈的对比让人们把所有的注意力全部集中于耶稣身上。耶稣旁边那些躁动的弟子们，每个人的面部表情、眼神、动作各不相同。尤其是慌乱的犹大，手肘碰倒了盐瓶，身体后仰，满脸的惊恐与不安。[3]绘制《最后的晚餐》首先要在修道院餐厅的墙上均匀地涂上一层灰泥，墙壁中间的灰泥要比旁边的灰泥粗糙一些，因为这样灰泥才能与覆于其上的漆层黏合得更加牢固。人们发现《最后的晚餐》草图的痕迹，草图是直接画在灰泥之上的，“极为简洁的红线条，用流畅的画笔描绘上去，按照他的布局勾画出众人的轮廓或外形。”绘上草图之后再打上熟石膏粉或底子。当时用的石膏粉是“一种小颗粒状的混合物，100－200微米厚，是用类蛋白质将钙碳酸盐和镁黏合而成”，顶层再涂上一层薄薄的铅白色的底漆。列奥纳多故意在表面留下一些切口，主要是为了勾画出建筑背景的形状和全景；为了追求作品的精确性，图画区域的中心还打上一个小孔，作为整幅壁画的没影点，这个点就在耶稣的右太阳穴上。
油画大概是从已画好的场景上三个刻有纹章的半圆壁开始画起，现在大部分已经遭到损坏，但仍然能看到铭文的片断和盾形纹章，以及一个用水果和青草编制的漂亮花环。壁画的主要场景大概是从左侧开始画起。用马泰奥·班代洛的话说，在这个时期，列奥纳多不停地工作，有时还交叉双臂长时间地专注看着墙壁。 达·芬奇的《最后的晚餐》不仅标志着达·芬奇艺术成就的最高峰，也标志着文艺复兴艺术创造的成熟与伟大。这件作品达到了素描表现的正确性和对事物观察的精确性，使人能真切感受到面对现实世界的一角，在构图处理上也取得了巨大成就，人物形象的组合构成了美丽的图案，画面有着一种轻松自然的平衡与和谐。[5] 更为重要的是，他创造性地使圣餐题材的创作向历史源流的文化本义回归，从而赋予了作品以创造的活力和历史的意义。
P7 这幅精美肖像画，描绘了气质高贵沉静的切奇利娅·加莱拉尼，她是米兰公爵卢多维科·斯福尔扎的情妇，备受宠幸。 后来，这幅作品经一位无名氏重新敷色，这种不够亲切的气氛就更加强烈了。无论如何，切奇莉亚美丽的面孔和双手，显然出于大师笔下。而且，达芬奇为毛色光润、咄咄逼人的银鼠注入了生气。明暗的处理，是这幅肖像画中最引人注目之处，光线和阴影衬托出切奇利娅优雅的头颅和柔美的面孔。达芬奇频频从理论上阐述照亮室内人脸的光线来源问题，且一反光亮和阴影强烈对比法，他使用明暗法﹝光亮和阴形的均衡﹞创造间接照明的幻觉。
那一串从头绕到颈项的长长的珍珠，几乎每一颗的立面、高光及其圆润感都作了细腻的绘写；黑色的披风和红色的束胸上衣，紧紧地衬托出这位女性的丰满的胸脯，从而增强了贵妇人的华贵与庄重感。如果说，达·芬奇在《蒙娜·丽莎》上所注重的是她的神秘的笑容，那么，在这里，画家是以精确的素描结构赞美着这位妇女的绝世容貌。
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